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Sep 19, 2023

7 Muss

Durchqueren Sie das Land von Küste zu Küste, um die besten Galerieausstellungen zu finden

Die Galerie durchquert jeden Monat das Land von Küste zu Küste, um die besten Galerieausstellungen in Amerika zu finden, und hat unsere beliebtesten Einzelausstellungen ausgewählt, die Sie zu Ihrer kuratierten Liste kultureller Ausflüge zu Beginn des Sommers hinzufügen können. Von der Wiederentdeckung der unbekannten Kunst von Cathy Josefowitz bei Hauser & Wirth und der Hundertjahrfeier des Meisterfotografen Richard Avedon bei Gagosian in New York bis hin zu den transzendentalen Gemälden der aufstrebenden Künstlerin Zoe McGuire im Library Street Collective in Detroit und den Crossover-Keramiken von die meisterhafte Betty Woodman in der David Kordansky Gallery in Los Angeles, das sind die Einzelausstellungen, die man sich im Juni nicht entgehen lassen sollte.

Cathy Josefowitz, Ohne Titel, (1974). Foto: Mit freundlicher Genehmigung von Cathy Josefowitz und Hauser & Wirth

Cathy Josefowitz wurde kürzlich als leidenschaftliche figurative und später abstrakte Künstlerin wiederentdeckt und schuf in ihrer 40-jährigen Karriere eine große Sammlung von Gemälden und Arbeiten auf Papier, stellte diese jedoch selten aus. Josefowitz wurde 1956 in New York als Sohn einer Malerin und eines Vaters, der Produzent und Dirigent klassischer Musik war, geboren. Er wuchs in Genf auf und wurde in Europa in Theater, Kunst und Tanz ausgebildet. Als sie im Alter von 17 Jahren die École Nationale des Beaux-Arts in Paris besuchte, begann sie bald, Werke zu schaffen, die von Meistern der frühen Moderne wie Dufy, Kokoschka und Vlaminck inspiriert waren, deren Werke sie problemlos an den Wänden ihrer Familie und in den örtlichen Museen betrachten konnte und Galerien.

Die Ausstellung „Forever Young“, ihre erste Einzelausstellung in der renommierten Galerie, bietet einen Überblick über ihre hermetische Praxis. Eine Reihe temperamentvoller Porträts aus den frühen 1970er Jahren – darunter eines von einer Raucherin, das sie bereits mit 16 Jahren gekonnt malte, und ein weiteres von ineinander verschlungenen Liebenden in einem erhabenen, karierten Reich, das sie zwei Jahre später anfertigte – sowie eine Reihe verspielter Skizzen aus dem Jahr 1970 im Sommer 1974 füllen den ersten Stock der Ausstellung. Eine Gruppe figurativer Pastelle auf Papier setzt ihre Verzauberung mit Paarungsliebhabern im zweiten Stock der Galerie fort, wo der Inhalt ihrer Leinwände theatralischer wird – mit Darstellern, die mit Stühlen oder fragmentierten Figuren in spärlichen Räumen interagieren. Bis 22. Juli

Kelly Akashi, Kosmische Achse, (2022-2023). Foto: Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Tanya Bonakdar Gallery

Kelly Akashi, eine in Los Angeles geborene und ansässige multidisziplinäre Künstlerin, ist vor allem für ihre gegenständlichen Skulpturen bekannt, die fantasievoll aus Bronze und Glas geschaffen wurden. Bereits vor Abschluss ihres MFA an der University of Southern California, Los Angeles im Jahr 2014 stellte Akashi international aus und kreiert intime Stücke, die eine poetische Sensibilität, eine wahre Liebe zu Materialien und die Bereitschaft, Risiken einzugehen und kontinuierlich zu experimentieren, vermitteln.

Akashi kehrte für ihre zweite New Yorker Einzelausstellung in der Galerie seit ihrer bahnbrechenden Ausstellung im Sculpture Center im Jahr 2017 in die Stadt zurück und hat auf den beiden Etagen von Tanya Bonakdar zwei Arten von Präsentationen wunderschön aufgebaut. Mit bezaubernden Tableaus aus Körperteilen aus Bronze und organischen Glasformen mit gefundenen und natürlichen Objekten auf Sockeln aus gepackter Erde in einer dramatisch beleuchteten Galerie im Erdgeschoss sowie einer wunderschönen Büste eines weiblichen Akts aus Kristall und Bronze und einer Glaskugel, auf der zarte Blumen sprießen Mit ihrem rotierenden Betonsockel in den beiden Räumen darüber ist ihre Ausstellung – passenderweise mit dem Titel „Infinite Body“ betitelt – pure Verzauberung. Bis 10. Juni

Uman, leg deinen Fuß hinein, (2022-2023). Foto: Lance Brewer; Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Nicola Vassell Gallery

Als autodidaktische Künstlerin, die in Somalia geboren wurde und ihre Jugend in Kenia verbrachte, bevor sie nach Dänemark und dann nach New York zog, schafft Uman ausdrucksstarke Abstraktionen in einer Vielzahl von Medien, die Natur, Figur und Kosmos umfassen. Die geschlechtsspezifische Künstlerin schafft Gemälde, Zeichnungen, Collagen, Skulpturen und Teppiche und arbeitet intuitiv daran, Bilder zu konstruieren, die schamanistisch, farbenfroh und gestisch sind. Uman, die derzeit im Bundesstaat New York lebt und arbeitet, entwickelte ihre künstlerischen Aktivitäten zunächst in Kunsttherapiekursen am New Yorker Bellevue Hospital, hat ihre Kreativität jedoch inzwischen in eine vollwertige Praxis in einem 8.000 Quadratmeter großen Studio mit Vollzeitassistenten umgewandelt.

Die erste Einzelausstellung des Künstlers mit der Galerie „I Want Everything Now“ präsentiert 17 großformatige Gemälde und 20 Arbeiten auf Papier an violetten, grünen, roten und weißen Wänden und zieht den Betrachter mit seinen farbenfrohen Markierungen in den Raum , lebhafte Muster und kalligrafische Kringel. „Ich halte mich nicht an viele Regeln. Und ich denke, das hilft mir, weil mein Geist nicht eingeschränkt ist. Ich bin impulsiv. Manchmal gehe ich von einer Figur aus und sie mutiert zu etwas anderem, zu einer abstrakten Komposition. Ich einfach Ich folge meinem Instinkt. Wenn ich Lust habe, ein Gesicht, ein Auge oder Hände hinzuzufügen, mache ich das“, sagte Uman kürzlich. Die ausgestellten Mixed-Media-Werke vermitteln diesen Ansatz mit Freude auf die wahrhaft befreite Art und Weise, wie die Künstlerin ihr Leben leben möchte. Bis 17. Juni

Richard Avedon, Tina Turner, Performerin, Kleid von Azzaro, New York, 13. Juni 1971, (1971). Foto: © The Richard Avedon Foundation; Mit freundlicher Genehmigung von Gagosian

Richard Avedon, einer der berühmtesten Fotografen Amerikas, machte sich mit seinen Modestrecken und Titelgeschichten für Harper's Bazaar, Vogue und Elle einen Namen, bevor er sich der bildenden Kunst zuwandte – wobei seine früheren redaktionellen Arbeiten schließlich als Kunstfotografie mit hohem Sammlerwert galten sowie. Avedon wurde in New York als Sohn jüdischer Einwanderereltern aus Russland geboren und studierte Fotografie bei dem berühmten Art Director Alexey Brodovitch, der ihm seine ersten Arbeiten bei Harper's Bazaar an der New School for Social Research schenkte. In einer Zeit, in der die Fotografie für die Werbung für Mode- und Schönheitsprodukte von entscheidender Bedeutung war, stieg er schnell an die Spitze seines Berufs.

Anlässlich des 100. Geburtstags von Avedon zeigt die beeindruckende Ausstellung „Avedon 100“ 150 Fotografien, die von prominenten Künstlern, Designern, Musikern, Schriftstellern, Kuratoren und Vertretern der Modewelt ausgewählt wurden. Der Warhol-Autor Blake Gopnik wählte ein Foto von Andy Warhol aus dem Jahr 1969, auf dem die Operationsnarbe zu sehen ist, die ein Jahr zuvor entstanden war. Der Kunstsammler und milliardenschwere Geschäftsmann François Pinault wählte ein ikonisches Bild von Marilyn Monroe aus dem Jahr 1957, und Moderedakteur Tonne Goodman wählte prophetisch ein Foto von 1971 aus, das eine kreisende Tina Turner in einem freizügigen Kleid zeigt. Diese sensationelle Show, die seit ihrer Eröffnung Anfang Mai bereits von fast 15.000 Besuchern gesehen wurde, nimmt Sie mit auf einen wunderbaren Bilderspaziergang durch freudige und turbulente Zeiten. Bis 7. Juli

Danielle Orchard, Our Sympathies (After Wyeth), (2023). Foto: Guillaume Ziccarelli; Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Perrotin

Danielle Orchard, eine talentierte Malerin aus Indiana, studierte in ihrem Heimatstaat, bevor sie den Sprung nach New York wagte, wo sie 2013 einen MFA am Hunter College erwarb. Sie zeigt ihre fein gestalteten figurativen Werke in einer Reihe prominenter New Yorker Galerien – darunter Journal, Jack Hanley und Half – bevor sie bei Perrotin landete, wo sie Einzelausstellungen in Seoul, Paris und jetzt in New York hatte, entwickelte sich die in Brooklyn lebende Künstlerin zu einem aufstrebenden Star. Sie malt Gemälde, die von Meistern der Moderne wie Picasso und Matisse inspiriert sind, und schafft auf geschickte Weise zeitlose Bilder mit der weiblichen Figur als Muse.

Orchard zeigt in der Ausstellung „You Are a Serpent Who'll Return to the Ocean“ ein Dutzend neuerer großformatiger Gemälde und präsentiert weibliche Akte und Badegäste in Ruhe und beim Spielen sowie nackte Models, die lässig im Studio posieren. Ihr Gemälde „Le Cauchemar“ (Der Albtraum) erinnert an Picassos beeindruckendes Porträt seiner Geliebten Marie-Thérèse Walter in seinem Gemälde „Le Rêve“ (Der Traum) von 1932, während ihre Gemälde faulender nackter Damen, „Pêches Plates“ und „A Brachfeld“, an Matisse‘ zahlreiche Darstellungen erinnern eine liegende Odaliske. Ihre Darstellung einer schwangeren Frau, die auf einem Bett unter einem Moskitonetz liegt, „Our Sympathies (After Wyeth)“ – eine Anspielung auf Andrew Wyeths Porträt von Helga aus dem Jahr 1980 mit dem Titel „Day Dream“ – hat jedoch eine persönlichere Note, da die Künstlerin das Bild traurig und doch mutig malt nach ihrer eigenen Fehlgeburt. Bis 10. Juni

Zoe McGuire, Ripple In, (2023). Foto: Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und des Library Street Collective

Basierend auf der Geschichte der Abstraktion, des Schmucks und der Spiritualität schafft Zoe McGuire mystische Gemälde, die einen surrealen Blick auf die Welt bieten – als würde sie durch eine rosafarbene, übernatürliche Brille gesehen. McGuire, die kürzlich ihren MFA-Abschluss an der Cranbrook Academy of Art in Detroit gemacht hat, erregte bereits während ihrer Schulzeit die Aufmerksamkeit von Galerien mit ihrem transzendentalen Malstil. Als Finalistin des begehrten New American Paintings Emerging Artist Grant wurde sie in dessen Publikation 2022 vorgestellt.

Für ihre Einzelausstellung „Earthshine“ im Library Street Collective (ihre erste Einzelausstellung in Detroit) präsentiert die in Brooklyn lebende Künstlerin neun neue Landschaftsgemälde, deren Größe von knapp über einem Fuß Höhe und Breite bis zu gewaltigen sieben Fuß reicht -Fuß mal vierzehn Fuß Leinwand. Inspiriert von McGuires Forschungen zu antiken Sonnensystemen und ihrer Rolle bei der Information über die inneren Realitäten des Menschen, zeigen die Gemälde traumhafte Bilder in leuchtenden Farben und kunstvoll fließenden Formen. Wie Hilma af Klint und Agnes Pelton huldigt sie der Kraft der Natur, aber auf ihre eigene majestätische Art. Bis 24. Juni

Betty Woodman, Innenvase mit Blumen, (2007). Foto: Phoebe d'Heurle; © Woodman Family Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York. Mit freundlicher Genehmigung der David Kordansky Gallery

Betty Woodman ist eine der führenden Künstlerinnen, die sich mit Keramik beschäftigt, sowie Bildhauerin und Malerin, die dazu beigetragen hat, das Medium von einem hauptsächlich als Kunsthandwerk betrachteten Medium zu einer breiteren Akzeptanz in der Welt der bildenden Künste zu machen. Betty Woodman wurde 1930 in Connecticut geboren, wuchs in Massachusetts auf und erhielt eine Ausbildung an der School for American Craftsmen der Alfred University im Bundesstaat New York. Nachdem sie ein Fulbright-Hays-Stipendium für Forschungsarbeiten in Florenz, Italien, erhalten hatte, kehrte sie in die Vereinigten Staaten zurück und begann Mitte der 1980er Jahre, in Kunsthandwerksausstellungen auszustellen, als sie als Crossover-Künstlerin in Galerien für zeitgenössische Kunst gezeigt wurde. Seitdem hat Woodman, die 2018 verstorben ist, ihre Arbeiten in großen Galerien und Museen weltweit ausgestellt.

„Diptychs“, die seit 2015 mit Kordansky ausstellt, ist ihre vierte Einzelausstellung in der Galerie. Mit zehn zweiteiligen Keramikgefäßen, die zwischen 1990 und 2013 entstanden sind, beziehen sich die originellen Werke auf Malerei, Skulptur und Architektur. In diesem Bereich erforscht Woodman Ideen und Motive im Zusammenhang mit Figuration, Feminismus, Muster und Dekoration sowie Abstraktion und Kunstgeschichte. Die Künstlerin nutzte ihre meisterhaft gefertigten glasierten Keramiken als Träger für die Malerei und konstruierte kühne skulpturale Formen mit lebendigen Bildern, um überzeugende hybride Kunstwerke zu schaffen, die weit über ihren reinen Zweck hinausgehen. Bis 16. Juni

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